Altri Venti – Ostro, 2020, Magazzino Italian Art in Cold Spring, NY. Photo by Marco Anelli.

Bruna Esposito, Two Public Bio Toilets (1987-88)

DI - La ricerca formale sull'Opera ti ha condotto nel tempo a pratiche spaziali esplorative e relazionali - certa dell'urgenza di rendere il pubblico partecipe dell'opera di cui è parte.
Ritieni la tua Arte, "Arte Pubblica" - uno spazio in cui si creano alternative di vita possibili?

BE - Altri Venti - Ostro è la seconda opera ‘abitabile' che ho realizzato; infatti nel 1987-88, a Berlino Ovest, progettai Due gabinetti pubblici a compost (ossia senza l’acqua per lo scarico) grazie a due borse di studio dell’ IBA Berlin; poi nel 2003 in occasione della Biennale di Istanbul, curata da Dan Cameron, furono costruiti. Queste opere tangono l’architettura ma io ne ravviso la simbiosi con diverse mie opere più vicine alla musica, alla poesia, alla danza... e non soltanto perché ho collaborato spesso con autori di queste arti. In poche parole, io seguo l’urgenza di aprirmi e di tentare opere aperte...
A mio avviso, tutte le arti dall’attimo in cui si presentano in pubblico entrano in dialogo intimo con il singolo osservatore. Essere viste, ascoltate, lette è una necessità per l’opera quanto per la persona del pubblico e anche per l’autore stesso.
Forse è un bisogno biologico? Forse è un’iniziazione reciproca? Forse è rito?
Non saprei dirti cos’é...



DI - L’installazione e così sia..., (2000) realizzata con legumi e cereali propone un mandala, una svastica sinistroversa, con al centro un fornello e una ciotola di vetro contenente acqua e alloro.
Puoi raccontare di come hai inteso questo Spazio/Tempo dal forte valore simbolico e il senso della sua realizzazione dal vivo?

BE - Grazie per aver specificato ‘sinistroversa’ come difatti la svastica è rappresentata in India ove, benché simbolo antichissimo, tuttora è ritualmente celebrata per i suoi significati positivi, sole ed energia... perfino è indossata come amuleto. Al contrario, in Europa la svastica è carica di nefasti significati, purtroppo lividi fino ai giorni nostri con recrudescenze che si reiterano, ad esempio anche nel 2000 quando ho concepito il lavoro; ero molto angosciata e, confesso, lo ero anche per le innovative sperimentazioni agro-genetiche e già al mercato compravamo frutta senza semi...

A proposito del senso della realizzazione dal vivo, cerco di rispondere alla tua domanda dicendoti che difatti io la definisco “posa in opera e disfacimento” e la considero un mosaico (senza collanti) perché riterrei presuntuoso considerarla un mandala; tuttavia ne assume le modalità operative: davanti al pubblico, posare a terra, più persone con minuziosa precisione, senza fretta, prevalentemente in silenzio, l’intero giorno per tanti mesi; l’epilogo, ossia il disfacimento finale, in pochi minuti.

A proposito del senso di ‘dal vivo’, di spazio e di tempo, consegue anche il senso della morte. Mi domandai: c’è la possibilità di eventuali rifacimenti senza l’autore nel lontano futuro? Chi e come rifaranno questo simbolo? Come tramandare delle regole? Come lasciare indicazioni attendibili e durature? A ben vedere si trattava di lasciare un testamento e oggi il museo Maxxi conserva le mie disposizioni riferite agli aspetti sia materiali sia immateriali. Considerando che i monaci, grazie alla fede, si affidano e ripetono una determinata iconografia, era invece doveroso discernere da laici e al contempo considerare i rischi di interpretazioni distorte di questo simbolo; era pertanto indispensabile che io mi prendessi non i diritti d’autore, bensì le responsabilità d’autore, sia dal vivo sia post mortem.



DI - Quali frequentazioni, incontri e persone hanno segnato la tua esperienza, modificato nell'agire e vivere la tua Arte?
Hai affinato un metodo per così interrogarsi nei rapporti con l'opera e la vita?

BE - La dea fortuna è bendata ed è artefice degli incontri. I legami poi si rafforzano grazie a tacite e invisibili affinità che ravviso come ‘verità’ in ogni gesto ed ogni parola. La fortuna è stata molto generosa con me. La mia maestra è, tuttora, la pittrice Carmengloria Morales con la quale studiai al liceo a Roma. Batya Zamir, non soltanto maestra di danza aerea ed anche maestro considero suo marito lo scultore Richard van Buren che conobbi a New York. Anche Lucio Pozzi e Michael Smith sono stati pilastri. Sono stati compagni di strada, colleghi e amici, più o meno coetanei, a cui voglio molto bene e con alcuni ho anche collaborato; ti trascrivo qui in ordine rigorosamente alfabetico alcuni di loro: Cinzia Abbate, Paola d’Agnese, Emanuela Barbi, Gregorio Botta, Paolo Canevari, Cristina Falasca, Franco Fiorillo, Andrea Fogli, Federico Fusi, David Hammons, Kristin Jones, Lorenz Kloska, Enzo De Leonibus, Stefano Maria Longobardi, Kristine Lovejoy, Federico Luger, Annalisa Maggiani, Loredana Monaco, Mario Morleo, Agostino Osio, Annie Ratti, Marta Roberti, Lorenzo Romito, Andries van Rossem, Barbel Rothaar, Sergio Sarra, Carlo Vigevano, Penelope Wehrli e tanti altri... potrei riempire tutta la pagina...



DI - Hai sviluppato nelle tue opere una qualità 'naturale' per i materiali e le idee, consapevole che lo spazio da esplorare sia la relazione, cose e persone in funzione rigenerativa mentre ne usi il codice stesso come oggetto del messaggio.
“Aquarel” dell’88, una panchina fatta di assi di specchi collocata in un cespuglio di ortiche (tema ripreso nella Biennale di Venezia dove hai portato una panchina galleggiante) pone forse la questione del vedersi e immaginarsi contemporaneamente? Lo slittamento del senso identitario è insieme cura e fondamento per catturare un’immagine?

BE - A volte l’autore può rovinare le opere parlandone... Io credo che un’opera, se ha la fortuna di riuscire, esprima molto più di quanto l’autore stesso potesse immaginare ideandola e realizzandola. ‘Aquarel’ è una opera riuscita, sia posta nel mezzo di un cespuglio di ortiche sia su una zattera galleggiante. La lascerei li’ nel suo quieto e riflessivo silenzio. Nella tue domande, mi colpisce che spesso usi la parola ‘consapevole’. Ebbene, ti dico sinceramente, io non sono consapevole bensì lavorando mi inchino nel raccogliere un frutto maturo caduto dall’albero del ‘mistero’.

DI - Quale Tempo è dedicato alla tua Arte, mentre sfugge a qualsiasi categoria o formula, all’aspetto convenzionale e al linguaggio che crea il pensiero attraverso e dopo le parole?

BE - Sospeso, in bilico tra durevoli dubbi e intuizioni fulminee.



Bruna Esposito è nata a Roma nel 1960, dove vive e lavora. Diploma nel 1979, IV° Liceo Artistico di Roma, Ha frequentato un anno la facoltà di Architettura presso l’Università La Sapienza di Roma. Si trasferisce dal 1980 a New York dove studia danza aerea e vince la borsa di studio ISP Whitney Museum. Dal1986 al ‘88 vive a Berlino Ovest e vince due le borse di studio di IBA Berlin. Attualmente è docente di tecniche della scultura all’Accademia di Belle Arti di Roma, previamente a L’Aquila, Brera, Temple e Cabot University, Rhode Island school of Design a Roma.

Mostre rilevanti nazionali e internazionali: Quadriennale di Roma (1996 – 2008 - 2021), Documenta X Kassel, Germania (1997), La Biennale di Venezia (1999 - 2005), Sonsbeek 9, Arhnem, Olanda (2001); Istanbul Biennial, Turchia (2003), Gwanjiu Biennial, Korea del Sud (2004), New Orleans Biennial, Usa (2008), Cuenca Biennial, Ecuador (2016), Biennial de La Habana (2019).
Premi: 9a Edizione Premio Italian Council, MIC, Roma (2021); 62a Edizione Premio Termoli, MACTE, Termoli (2021); Selezione al Premio della Camera dei Deputati per il 150° dell’Unità d’Italia, Palazzo Montecitorio, Roma (2011); Premio Nazionale per la Giovane Arte Italiana, MAXXI, Roma / Castel Sant’Elmo, Napoli (2001); P.S.1 Italian Program, New York, U.S.A. (1999), Leone d’Oro 48ª Esposizione Internazionale d’Arte La Biennale di Venezia, padiglione di gruppo italiano, Venezia (1999).