Diplomazia Astuta, Padiglione di Malta, La Biennale di Venezia 2022, Photo by Agostino Osio, Alto Piano

Malta Pavilion
Diplomazija astuta
Arcangelo Sassolino, Giuseppe Schembri Bonaci, Brian Schembri



Il padiglione Malta, intitolato Diplomazija astuta, reimmagina La decollazione di San Giovanni Battista, fondamentale pala d’altare realizzata dal Caravaggio, come un’installazione scultorea immersiva che sovrappone la narrazione biblica al presente, trapassando dal 1608 al 2022, dal noetico al metafisico. Trasponendo nel padiglione maltese lo Zeitgeist dell’Oratorio di San Giovanni Decollato a La Valletta, Diplomazija astuta ricolloca i temi immanenti a Caravaggio nella vita moderna, spingendo gli spettatori ad attraversare uno spazio in cui si fa esperienza nel presente della tragedia e della brutalità dell’esecuzione di San Giovanni, le ingiustizie del passato sono riconciliate e i principi umanistici condivisi possono essere rivendicati nel futuro.

Ricorrendo alla tecnologia dell’induzione, l’installazione cinetica di Arcangelo Sassolino produce gocce di acciaio fuso che cadono da una struttura soprastante in sette vasche riempite d’acqua, ognuna a rappresentare un soggetto de La decollazione. Il metallo fuso crea una luce vivida e al contatto con l’acqua sibila, si raffredda e si ritira nell’oscurità. Per ritmare il tempo e la frequenza della caduta di ogni goccia, il compositore Brian Schembri crea una “partitura percussiva” basata su “Ut queant laxis”, il canto gregoriano attribuito a Guido d’Arezzo in onore di Giovanni Battista e su motivi ritmici derivati da due inni di Carlo Diacono composti sullo stesso testo latino e dalla “Missa Mundi” di Charles Camilleri. Infine, le incisioni di Giuseppe Schembri Bonaci propongono un cifrario scolpito, un inno sconfortante che incarna un sapere che è alla nostra portata e, allo stesso tempo, al di là di essa.



Diplomazija astuta afferma che l’entusiasmo nei confronti del progresso industriale, tipico del Modernismo, è culminato nella capacità dell’umanità di autodistruggersi. In questo senso, affinché la società possa incarnare il proprio sé futuro nel presente, il materiale simbolo del Modernismo – l’acciaio – deve essere fisicamente, metaforicamente e spiritualmente sciolto perché si realizzi lo spazio per un nuovo progresso.

Diplomazija astuta è infestata dagli spettri della decollazione di San Giovanni, da agende politiche, costumi culturali e geopolitiche strumentalizzate fra loro in competizione. Nella ri-presentazione della decollazione di San Giovanni attraverso un linguaggio scultoreo contemporaneo, la tragedia biblica entra in risonanza con gli attuali eventi mondiali, rivelando punti ciechi e fallimenti del progetto umanista nel corso dei millenni: inganno, falsità, negligenza dei media e armamento delle idee.

Radicata nel talento creativo e nella storia dell’arte maltese, Diplomazija astuta eleva l’arte a potenziale guida in grado di accompagnarci nelle complesse vicissitudini del tempo. Il Ministro per The National Heritage, The Arts and Local Government Dr. Owen Bonnici afferma: “Avendo in mente gli Obiettivi di Sviluppo Sostenibile delle Nazioni Unite, questa iterazione del Padiglione Malta dimostra come l’arte possa rappresentare le ideologie e gli ideali della società. Il nostro progetto maltese presenta un’esperienza culturale trascendente dove gli spettatori immaginano un percorso verso la riconciliazione; ci rende molto orgogliosi presentare questo importante progetto in una delle più grandi mostre d’arte contemporanea al mondo”.

L’Executive Chairman dell’Arts Council Malta, Albert Marshall, afferma: “Questa straordinaria e attuale installazione – frutto dello sforzo creativo e collaborativo tra i nostri curatori e artisti – presenta un padiglione che stratifica ciò che si dice sia passato con ciò che è ancora in corso. Diplomazija astuta crea un palinsesto che opera in modo unico nell’ambito della pala d’altare di Caravaggio e della cultura visiva maltese contemporanea”.



DISSIPATIO
Arcangelo Sassolino

L'oscurità vuota di quel muro, di quelle pietre, di tutto ciò che è inanimato, nel quadro di Caravaggio, quel vuoto sembra essere la condizione stessa della scena, ciò che rende possibile la luce vibrante e palpitante che fa vivere e muovere quei corpi. Questo contrasto radicale tra luce e buio rende la scena qualcosa che accade davanti ai nostri occhi, non semplicemente qualcosa che accadrà o che è già accaduto.

È questo contrasto che mi interessa, o meglio, l'idea che solo attraverso il conflitto e la tensione irrisolta delle forze si possa vedere, anche solo per un istante, e sotto forma di luce accecante, l'origine delle cose: un'origine che, venendo dal nulla e destinata a tornare al nulla, esiste solo nel qui e ora del suo apparire. Un'origine che appare e che, nel momento stesso del suo apparire, non c'è più.

Quello che sto cercando di catturare è il cambiamento di stato, quell'istante in cui qualcosa sta diventando qualcos'altro, quell'energia e quella potenza che esistono nel lampo di instabilità assoluta tra i momenti di equilibrio che sono il prima e il dopo.

Ecco perché ho deciso di lavorare sul metallo e la sua trasformazione. Sono passati circa otto millenni da quando l'uomo ha iniziato a utilizzare i metalli: rame, oro, ferro, alluminio. I metalli sono caratterizzati da forza ma anche da duttilità. Sembrano inerti, ma conducono energia e calore.

La forchetta sul nostro tavolo, la ruota del treno, l'aeroplano, i componenti di un motore, l'anello al nostro dito, il monumento in piazza, un bisturi, un proiettile: prima di essere ciò che sono, tutti questi oggetti erano liquidi incandescenti. Tutto il metallo che vediamo, che tocchiamo, che usiamo, e che costituisce lo scheletro del mondo vitale all'interno del quale ci muoviamo è solidificato nell'oscurità di uno stampo, per poi passare attraverso uno stampo e quindi raffreddarsi contro, o dentro, qualcosa.

Voglio liberare il metallo da quella forma chiusa, per esporre la sua origine liquida e luminosa.

Una volta fuso, il metallo non è più semplicemente statico, non è più qualcosa che semplicemente esiste, immutabile. Si espande invece in una dimensione cronologica di apparizione e scomparsa: diventa il tempo stesso.

L'acciaio si crea solo a temperature molto alte, e quando l'energia e il calore lo riportano al suo stato liquido originale, brilla di una luce rovente; diventa una durezza stolida solo quando quella luce si spegne.

Solo nel cambiamento di stato, e quindi solo nel tempo vivo, l'acciaio diventa luce.

Diplomazija astuta è un'opera sulla perdita continua, sull'impossibilità di trattenersi, sul flusso inesorabile e inarrestabile di tutte le cose. Ma si tratta anche del fatto che l'essere si rivela solo nello svanire, che la luce è un intervallo evanescente di buio.

Qualcosa continua a dissiparsi, a consumarsi, a cedere; le gocce fuse appaiono, cadono e svaniscono incessantemente. Sto cercando di scandire il tempo - quello che crea l'essere e lo consuma - attraverso qualcosa di altrettanto inafferrabile.

Forse il mio è, in fondo, un lavoro sulla ferita aperta che è la vita.

Perché la scultura non può scorrere come il tempo invece di essere un freddo e rigido monolite privo dell'energia vitale che l'ha prodotta?

Invece di fissare l'istante del passaggio, rendendolo ancora una volta qualcosa di statico, mostro il passaggio stesso: l'apparizione e la scomparsa, il limite incandescente ed effimero che divide e collega le tenebre gemelle del prima e del dopo.



THE DRAMA OF STILLNESS
Brian Schembri

Un viaggio nel tempo,
La violenza dell'inevitabile,
Il dramma dell'immobilità,
La tensione del silenzio,
Il rumore della morte,
La serenità della rassegnazione,
Una storia di vita.

Discutendo il concetto del progetto Diplomazija astuta con il team di artisti e curatori, mi sono reso conto che c'era una fortunata connessione tra l'importanza data dal progetto al numero 7 (come derivato dai sette personaggi de La decapitazione di San Giovanni Battista di Caravaggio) e un altro lavoro legato a Giovanni Battista. Infatti, la mia partitura musicale è ispirata all'inno medievale "Ut queant laxis", un inno gregoriano dell'ottavo secolo che onora il santo.

Come è noto, i primi sei dei sette nomi di note musicali (ut re mi fa sol la), stabiliti dal teorico musicale Guido d'Arezzo nell'XI secolo, sono derivati dalla prima sillaba di ciascuna delle prime sei strofe di quest'opera. Il nome della settima nota deriva dalle iniziali di San Giovanni (Sancte Iohannes) citate nella settima strofa, da cui il nome della nota si. Nella mia partitura, questi sette nomi di note riecheggiano i sette personaggi del quadro di Caravaggio, un numero che si riflette anche nelle sette vasche dell'installazione, che interpretano la mia partitura.

Mentre vari trattamenti musicali del motivo dell'inno interagiscono e dialogano tra loro, introduco estratti ritmici da opere di due importanti compositori maltesi, Carlo Diacono e Charles Camilleri. Questi includono motivi ritmici da due diversi inni composti da Diacono, entrambi con lo stesso testo latino "Ut queant laxis". Prendo anche in prestito alcuni motivi ritmici dalla principale opera organistica di Camilleri del ventesimo secolo, la Missa Mundi, in particolare da tre dei suoi movimenti: "Fuoco sulla terra", "Fuoco nella terra" e "Comunione".

Formando parte integrante dell'installazione, la partitura musicale mira ad articolare il movimento delle sfere di acciaio fuso che cadono (con i conseguenti effetti visivi e sonori) in modo musicalmente organizzato - una sorta di partitura percussiva eseguita dall'installazione stessa, che organizza anche il movimento delle sfere di acciaio che cadono in un evento visivo coreografato. Guidando il tempo e la frequenza di ogni fiamma discendente e ordinando la sequenza in cui le macchine operano, chiedo all'installazione di interpretare la mia partitura percussiva in un dialogo aleatorio tra se stessa, i suoi vari componenti e la mia composizione musicale.

Quello che otteniamo è un viaggio nel tempo, a partire da un inno dell'ottavo secolo che nell'undicesimo divenne la fonte primaria per l'istituzione della notazione musicale occidentale; esso, a sua volta, è articolato in un modo ritmico classico del diciottesimo e diciannovesimo secolo mentre interagisce con due estetiche del ventesimo secolo completamente contrastanti (quelle dei compositori maltesi moderni) - tutto questo attraverso la lente del ventunesimo secolo.



UN PUNTO SOLO M’È MAGGIOR LETARGO
Giuseppe Schembri Bonaci

Confina piuttosto con il mistico il drammatico recupero della vista di Samuel Beckett, il primo momento epifanico dopo il suo soggiorno a Malta, a Gozo Calypso e Mellieħa, materializzatosi quando poté finalmente vedere nella La Decollazione di San Giovanni di Caravaggio a La Valletta. "Il chiaro-scuro di Caravaggio ha aperto la cecità di Beckett; il chiaro comincia a essere inghiottito gravitazionalmente dallo scuro - una lotta tra il chiaro e lo scuro - la lotta centrifuga del chiaro che resiste da essere risucchiato dalla forza centripeta del nero scuro, facendo sì che Beckett veda di nuovo.

Questo chiaro ritorno alla vista di fronte alla pesantezza e al volume nel silenzio de La Decapitazione ha provocato il capolavoro Not I di Beckett: "una bocca illuminata, posta in alto nell'oscurità per la scena a sinistra, vomita parole a un ritmo sorprendente". Emettendo, come l'eco, onde e onde di parole tra pause sismiche di battito cardiaco : silenzio, intervalli, parole, impotenza abbondano nella decollazione Not I di Beckett. Profondità dell'oscurità e un raggio di luce, parole confuse ed enunciati ondeggiano nella confusione.

La voce femminile si confronta a intermittenza con una figura silenziosa vestita con una djellaba Nord Africano. Questo geniale drammaturgo Irlandese fece del suo viaggio da Tangeri a El Jadida, un'esperienza di luce e silenzio, figure solitarie e ascolto intenso, che Beckett traspose nella sua "Beheading", enigmaticamente oscillante tra morte, amore, punizione, pentimento e ruolo di Dio nella nascita del Logos, dove la profezia messianica di San Giovanni Battista di una nuova umanità è esacerbata dal Verbum caro factum est di San Giovanni Evangelista.

Di fronte a tale incredula oscurità scenica beckettiana e ispirata alla visione del mondo di Michelangelo Merisi da Caravaggio, Love Tastes like Death (un mio precedente progetto esposto nel 2007) ha optato, al contrario e di proposito, per una dichiarazione bianco su bianco - il bianco inghiottito dal nulla del bianco - un conflitto chiaro-chiaro con, tuttavia, il bianco che genera un ritorno al nero profondo nelle mie parallele opere di metallo, rame e acciaio.

Questo, insieme al bozzetto del monumento non realizzato per lo storico maltese Godfrey Wettinger, ha fornito le basi per la progettazione della piastra d'acciaio per il padiglione di Malta alla 59a Biennale di Venezia del 2022. Il bozzetto di Wettinger invitava a una pletora di mediterranea complessità, di parole sputate fuori, come faceva Beckett.



Il design per il progetto del Padiglione Malta fonde un multi-tsunami di lingue antiche e moderne che lottano contro l'onda di tensione chiaro-scuro l'epidemico, lottando per liberarsi dal grembo della terra verso la loro tanto attesa presenza. Alla fine il flusso stratificato della scrittura sforna parole e testi perduti, riversando lingue e significati a lungo dimenticati, rovesciando così la memoria verso un minimalismo calligrafico. La memoria si trova a lottare contro l'oblio Dantesco e Poundiano.

Questi tre fondamenti, che fanno parte della linea dominante di pensiero del progetto Metal and Silence, hanno strutturato questo progetto all'interno del Padiglione Malta: Il messaggio di San Giovanni di una nuova umanità ha generato la necessità di un nuovo linguaggio. Questo nuovo linguaggio è oggi racchiuso nella cultura del metallo.

L'idea è che il metallo - e l'acciaio in particolare - sia arrivato a definire l'epoca contemporanea al di là di ciò che appare ovvio. Kazimir Malevich, Igor Stravinsky, Sergei Prokofiev, la scuola Bauhaus e molti altri, credevano che l'era del metallo spingesse l'umanità nell'epoca del superuomo tanto atteso, una forza che avrebbe portato al dominio globale e universale, invece del messaggio d'amore portato da Giovanni. Oggi si può affermare il sogno di Malevich che, in effetti, l'umanità può fermare il movimento del sole, un potere che prima era riservato solo al Dio della vendetta del Vecchio Testamento.

Oltre ad essere il metallo dell'industria globale che ha plasmato il mondo in cui viviamo, l'acciaio è stato vitale per lo sviluppo della tecnologia, delle infrastrutture e della strategia militare ed economica. È stato il metallo a fornire tutto il materiale per la tecnologia moderna, dalle strutture gigantesche al microchip. Armamenti, guerre, genocidi, grattacieli, trasporti, esplorazioni spaziali e altro ancora hanno sviluppato e definito il mondo moderno, la cui realtà storica è stata determinata dall'acciaio. Il metallo è lo scheletro su cui scorrono le vene della società contemporanea. Eppure l'acciaio è un metallo "freddo". Freddo come il ghiaccio. La freddezza dell'inferno di Dante.

Il ventesimo secolo, e ora il ventunesimo, sono i secoli del metallo. Il ventesimo secolo è stato testimone della vera freddezza dell'acciaio: i gulag, i campi di concentramento, le armi di guerra, armi che sono state utilizzate per infliggere ed esacerbare atrocità di massa. Il progresso umano, la "superumanità", ha posto la società sotto un velo scuro, cieca che divide a divisorio rivestito di acciaio l'Io dal Tu, riconducendoci al Not I.

È proprio qui che l'appropriazione e la contestualizzazione della La Decollazione di San Giovanni di Caravaggio entra in gioco per il progetto di Malta. La Decollazione non è solo un racconto biblico-cristiano-cattolico; il suo significato e messaggio trascendono il suo scopo e le sue implicazioni teologiche. Il racconto stesso - visto solo come un racconto e non come parte di un sistema di credenze - esplora idee filosofiche, politiche, teologiche e teoriche di vasta portata, tutte così rilevanti per il mondo di oggi.

La Decollazione - sia per quanto riguarda il dipinto che l'evento stesso, reale o mitologico - non riguarda solo un'esecuzione ordinata attraverso un intrigo di corte, un regalo fatto a Salomè dal re Erode. "Quando la figlia di Erodiade venne e danzò, piacque a Erode e ai suoi ospiti, e il re disse alla ragazza: "Chiedimi quello che vuoi e te lo darò". Subito la ragazza si precipitò dal re con la richiesta: "Voglio che tu mi dia subito la testa di Giovanni Battista su un vassoio"" - una testa che avrebbe così splendidamente ed enigmaticamente figurato come una bocca nell'opera di Beckett.

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