Atlante Energetico, 2017, Installation view at Museo del Novecento, Firenze. Foto Leonardo Morfini

En route to the South, learning to be nomadic, 2019, Installation view at Museo del Novecento, Firenze. Foto Leonardo Morfini

Da nord a est, da ovest a sud. Traiettorie economiche per un tempo libero, 2013
Snow Dragon, 2019, Installation view at Museo del Novecento, Firenze. Foto Leonardo Morfini

Becoming with and unbecoming with, 2018-2020, Installation view at Museo del Novecento, Firenze. Foto Leonardo Morfini

Self portrait with a whale backpack, 2018
Becoming with and unbecoming with, 2018-2020, Installation view at Museo del Novecento, Firenze. Foto Leonardo Morfini

Artext - Elena Mazzi
Incontro

Artext - Puoi raccontare del workshop che hai condotto a Firenze riservato agli artisti in residenza alla Manifattura Tabacchi, quali le questioni poste? Gli strumenti di analisi?

Elena Mazzi - Il tema del workshop era incentrato sul lavorare a partire dallo spazio stratificato, complesso ed articolato della Manifattura Tabacchi. Partendo da un'architettura dal grande valore sociale, culturale ed economico, i partecipanti al workshop sono stati chiamati a documentarsi sulla storia del luogo, iniziando dalla lettura di "Settant'anni in fumo. Storia della Manifattura Tabacchi delle Cascine (1940-2010)"

Dopo un primo momento di discussione e dibattito su quanto appreso, abbiamo esplorato gli spazi della Manifattura applicando una serie di esercizi tratti dal testo di George Perec, Specie di Spazi. Vedendo come rispondevano agli stimoli dati, ho optato per focalizzare l’attenzione su parole e suono. Così ho chiesto a ognuno di loro di sperimentare (e successivamente registrare) suoni prodotti con il proprio corpo all’interno degli spazi esplorati, e di scrivere mediante brevi testi, le sensazioni provate nell’attraversamento di questi luoghi, provando a tradurre il loro rapporto con lo spazio.

A - Scegliendo di partire dal territorio e analizzare gli spazi di comunicazione tra individui, collettività e Media, dove incomincia il lavoro?

EM - Trovo sia doveroso partire da ricerche condotte da chi, prima di me, si è avvicinato a temi di mio interesse, o di interesse collettivo. Le fonti sono quindi un ottimo punto di partenza, che però devono per me sempre essere complementari a uno sguardo personale e intimo, da sviluppare attraverso l’esplorazione diretta.



A - Osservare l'ambiente e 'quasi annoiarsi' è un metodo per riuscire a carpire informazioni - 'poi certo la relazione con l'altro, il sapere di altri punti di vista - ma è la curiosità che mi spinge e mantenere un contatto con l'intuizione', tu affermi a proposito di questo lavoro collettivo. Come si riattiva questa dimensione favorevole alla creatività?

EM -L’intuizione non sempre è spiegabile. E’ un sentimento personale, una sorta di spirito guida che spesso mi permette di spingermi laddove la mente non mi porterebbe ad andare. Se mi affidassi solo alle fonti sarei prevalentemente una ricercatrice. L’intuizione è una guida necessaria e fondamentale nel processo artistico; in alcuni casi è un sentimento personale, a volte lo si condivide. E’ imprevedibile.

A - Cosa rende possibile la realizzazione di un progetto in cui convergono differenti sistemi di comunicazione, quelli sociali e dell’arte?

EM - Ogni progetto è uno studio site-specific, non c'è una formula che vale per tutti. A seconda del trascorso di ogni luogo (e di ogni comunità che lo vive) definisco un preciso equilibrio tra discipline diverse.



A - Puoi dire qualcosa sul momento in cui prende forma l’opera, di come il suo meta-linguaggio ridefinisce un nuovo spazio di relazione? Mass age, message, mess age (Elica 2018), ad esempio.

EM - Ogni opera ha una sua genesi a sé, anche se la metodologia che seguo ha una struttura ben definita. Nel caso di Mass age, message, mess age (Elica 2018), cito dal catalogo appena relizzato con Fondazione Ermanno Casoli, 'ho iniziato questo progetto nel 2015 in occasione di una mostra presso lo Spazio Barriera di Torino, su invito di ones – office. a non exhibition space (composto da Carolina Gestri, Francesca Vason e Stefano Vittorini), a seguito di alcune suggestioni avute durante il MaXter program organizzato dal Museo di Villa Croce di Genova nel 2014. Il progetto propone una riflessione sulle tecniche e strategie di comunicazione in tempi di rivoluzione, ponendo l’accento sulla possibilità di errore durante la trasmissione di un messaggio e su come questa incida sullo svolgersi dei successivi avvenimenti. Ho pensato che Elica fosse il contesto giusto dove sperimentare come le tecniche di comunicazione potessero essere applicate a contesti in cui la parola ‘cambiamento’ ha una presenza forte e incisiva. ‘Cambiamento’ è una parola molto utilizzata all’interno dell’ambiente aziendale e, seppur con connotazioni storico-politiche differenti da come la intendiamo oggi, si avvicina molto alla parola ‘rivoluzione’, intesa nell’accezione più scientifica del termine, ossia di movimento, rotazione, cambiamento. Come già precedentemente fatto da McLuhan, decido quindi di giocare con la parola ‘messaggio’. Insieme al gruppo di lavoro abbiamo pensato a come definire l’importante vocabolario, necessario per la prima parte del workshop, partendo da una selezione di libri (principalmente aventi come soggetto l’economia aziendale) donati dai dipendenti dell’azienda a Francesco e Viviana Casoli nel Natale del 2016. Da qui il punto di partenza dell’intero percorso. Come spesso avviene nel mio lavoro, la parte di ricerca è essenziale e necessaria alla buona riuscita dell’opera finale. Ovviamente la seconda fase è la più importante per me, perché ciò che mi sta a cuore è capire le dinamiche di comunicazione e le strategie adottate quando questa viene disturbata da fattori esterni. Così come in Barriera, anche qui le parole di partenza utilizzate per il gioco sono parte di un vocabolario da costruire insieme. Le priorità stanno nella struttura di lavoro: le tre parti analisi - azione -realizzazione si succedono e si definiscono l’una con l’altra. Dopo la prima fase di discussione e confronto, con l’obiettivo di individuare un vocabolario di parole chiave da ‘giocare’ in seguito, ogni partecipante (riunito in piccoli gruppi composti da circa 4 persone) è stato invitato a costruire uno strumento di comunicazione, a partire dai materiali di scarto recuperati in azienda. Gli strumenti sono stati poi utilizzati per la comunicazione delle parole durante la performance. Infine, nelle settimane successive al workshop, ho creato un’installazione composta da due strutture in alluminio, sintesi di tutti gli assemblaggi spontanei realizzati con i dipendenti. Le tracce del nuovo vocabolario realizzato insieme sono rimaste impresse attraverso degli stencil colorati sulla grande parete della piazzetta Elica, luogo di incontri e di riunioni, scenario delle nostre attività'.



A - Hai interesse per ciò che la tua arte "significa", ovvero sei interessata a che la tua arte veicoli un messaggio?

EM - Certo, credo che l'arte sia un ottimo mezzo per veicolare messaggi, proprio per la sua apertura e flessibilità nell'uso dei linguaggi.

A - Lavorare con il reale è ciò che ti permette di rigenerare un linguaggio verso l’arte?

EM - L'arte è un modo per esplorare il mondo che mi circonda, le relazioni sociali e le complesse dinamiche che lo caratterizzano. L'esperienza personale è una parte fondamentale, che però cerco sempre di restituire a un gruppo allargato di persone, il più grande possibile.



A - La dimensione laboratoriale è parte del tuo lavoro - lavorare in workshop con artisti o piuttosto con persone della società civile. Puoi parlarmi dei tuoi incontri con artisti di generazioni differenti come Marjetica Potrč, Antoni Muntadas, Joan Jonas. Quale il confronto su modalità come la progettazione di soluzioni sostenibili, le processualità che regolano la comunicazione, l’interazione tra corpo fisico e corpo rappresentato?

EM - A partire dagli anni in cui ero studente presso lo IUAV di Venezia ho avuto modo di incontrare artisti di diversa generazione, alcuni dei quali sono stati miei insegnanti. Avere l’opportunità di seguire workshop intensivi di 3 mesi è stato fondamentale nella mia crescita artistica. Potrč, Muntadas sono artisti professionisti, che oltre ad insegnare portano avanti le loro ricerche, lavorando a stretto contatto con professionisti dell’arte, ma anche sul campo, intervistando personalità tra loro differenti, così da sviluppare al meglio la loro progettualità. Durante i workshop, gli artisti ci accompagnavano nel trovare una nostra metodologia, insegnandoci la loro, e al contempo ci rendevano partecipi dei loro processi creativi. Questo per me è stato il più grande insegnamento, in quanto non credo ci sia un modo univoco di insegnare l’arte. Ognuno condivide un proprio metodo, si dialoga e ci si confronta sulle diverse possibilità, senza che per forza una prevalga sull’altra. Lo stesso è successo con Joan Jonas, che ho conosciuto lavorando come sua assistente. In altra forma e modalità, ho potuto apprendere molto da lei, e ancora continuo a farlo.

A - Come vedi il ruolo di artista? Qual'è il tuo ruolo attraverso le arti?

EM - Credo che l’arte possa avere un ruolo fondamentale nella vita, nella società, nella politica. Ognuno di noi ha bisogno di arte, e ognuno di noi forse guarda all’arte in funzione alle proprie sensibilità, necessità. Per me l’artista ha un ruolo attivo nella società, ponendosi, mediante strumenti differenti, domande condivise dalla collettività. Amo seguire le possibili diverse traduzioni che il mezzo artistico ci permette di sviluppare, rispondendo a temi di attualità con modalità insolite, ma non per questo meno efficaci di altre.

A - Con le tue opere, progetti ed installazioni che sfuggono il codice figurale e iconico vuoi forse offrire allo spettatore la libertà di non fermarsi ad una modalità espressiva? I tuoi progetti non sono pensati come ad un’opera d’arte finita - Ma un procedere di lavoro nel tempo. Il tuo è un processo per capire certe cose, trasmetterle e poi è il pubblico che chiude il cerchio... L’opera è un progetto?

EM - Si l’opera per me ha una sua progettualità. A volte continua a trasformarsi, a volte ha necessità di mettere un punto. In ogni caso, prende forma.



A - Com'è lavorare per un Museo, in questa circostanza al Museo Novecento di Firenze. Quale il confronto con i personaggi della Storia dell'Arte del Novecento? Quale il limite dell’estetico?

EM - Trovo molto interessante la proposta curatoriale di confrontarsi con grandi maestri del passato. In primis, è un modo di rileggere l’opera. Inoltre, permette di vedere capolavori a volte relegati, per motivi di spazio, nei depositi dei musei. Non trovo ci sia un limite estetico, trovo che ci sia una sfida, che sta nel trovare il giusto equilibrio nel dialogo con quell’opera.

A - Puoi raccontare di questo lavoro complesso, Becoming with and unbecoming with (2019) e l'uso dei materiali come il vetro e il metallo e dei flussi vitali che si attivano?

EM - Becoming with and unbecoming with nasce da una vicenda personale, tematica che solitamente non tratto nel mio lavoro. In questo caso, ho sentito la necessità di parlare di quanto successo (un incidente dovuto a un tuffo in acqua) per riuscire a trovare la forza di rimettermi in sesto, fisicamente e psicologicamente. Da qui è uscito un lavoro molto formale, che parla di materiali - metallo e vetro - che parzialmente rappresentano gli elementi coinvolti nell’incidente, ossia le protesi che mi sono state impiantate, l’acqua, ma anche le energie che questi materiali esprimono: la forza e la fragilità, la liquidità e la potenza. Per questo ho pensato di far dialogare due materiali poco compatibili, e capire quanto uno riuscisse a reggere l’altro.

Iconograficamente, ho scelto di usare delle vertebre di cetacei al posto di quelle umane, così da narrare dell’incontro tra paesaggio acquatico ed esseri viventi: i cetacei sono infatti mammiferi in grado di convivere con terra e acqua, e li ho presi come riferimento per una possibile sintonia tra corpo e paesaggio. Ho raccolto le vertebre in Islanda, luogo di ridotta densità umana, dove ho scelto di isolarmi per qualche tempo così da ristabilire un mio equilibrio psico-fisico. Come scrive saggiamente Donna Haraway, “Dobbiamo chiederci cosa accade quando le specie si incontrano, perché una volta che ci siamo incontrati non possiamo più essere gli stessi”.